Entrevista a Andrei Volpintesta
�Podrías realizar una breve presentación?
Mi nombre es Andrei Volpintesta. Tengo 39 años y vivo en la Patagonia, en el Valle, hace 15 años. Elegí este lugar para vivir hace mucho tiempo, en el año �91, por las condiciones características que tiene, desde un modo artístico hasta un modo de vida
�y cuáles son esas características?
Como lugar social, no sos un NN, sos un personaje que crecés, te conocen todos, conocés a todos, y tu trabajo individual tiene un significado, cosa que en mi lugar natal, Buenos Aires, Capital Federal, no lo pude experimentar nunca. Y a nivel natural, el valle es perfecto para todo lo que te puedas imaginar, desde bañarte hasta cosechar, disfrutar de la naturaleza y la ciudad a pleno.
Por ejemplo, cuando me recibí en Buenos Aires egresamos como 120, mientras que cuando egrese de acá éramos tres. Y eso a mí me dice mucho
�Cómo fue tu formación como artista?
Me recibí en la Escuela de Arte Manuel Belgrano vine acá y trabajé como maestra, hice el profesorado en la Escuela de Bellas Artes de Neuquén y después hice el Profesorado Superior en Grabado también en Neuquén.
Mi inserción como artista en la zona todavía no se produjo. Si se produjo la investigación y el contacto con otras personas que producen y aprender como estudiante, como investigadora. Pero como artista, recién este año con la formación del grupo Ajo Negro empieza una etapa nueva.
Mis comienzos fueron como dibujante pero la carrera de artes visuales te obliga de algún modo a que incursiones en todas las posibilidades que brinda el lenguaje artístico.
Ahora estoy en una etapa muy importante de mi carrera en la que estoy trabajando el collage.
�Y cómo se formó este grupo?
A partir de un proyecto de una exposición temática que tiene que ver con la reflexión de lo que está pasando con la salud pública. Tenemos prevista la exposición para fin de año.
�qué de la salud pública?
Todo lo que se pueda decir. Liliana González Rios y Sandra Pezina.
Una de las integrantes va a trabajar lo que es salud mental, la atención de los no profesionales, de los enfermeros, la mirada de la gente que puede pagar una asistencia privada, lo que hay y lo que no hay en hospitales.
�A quiénes reconcocés como tus maestros?
Con Berni, en esta etapa en la que incursiono en el collage, me siento muy identificada, tanto por su búsqueda plástica y temática de su obra: los problemas sociales, los materiales de desecho.
Yo uso mucho material de desecho, e incluso a veces lo prefiero. Porque me gusta reciclar y porque le encuentro una belleza excepcional a lo oxidado, a lo tirado o a lo que ya es un descarte.
Lo temas también, porque Berni siempre se expidió sobre la pobreza, sobre temas que a mi me importan mucho.
Tu situación económica determina de alguna manera la decisión de utilizar desechos para crear?
Totalmente. Mi situación económica como artista es cero. Jamás vendí una obra, aunque hice algunas exposiciones. Nunca gané ningún premio.
Tengo que escarbar pinturas secas, utilizo carbones, pinto con cualquier cosa que te puedas imaginar!. Uso mucho la saliva también como aglutinante. Por ejemplo, en el cuadro de Madame Lamort primeramente utilizaba agua, pero después me di cuenta que con la saliva lograba una consistencia que me parecía fantástica (tanto que se convirtió en un vicio escupir cada vez que iba a mojar el pincel!). Es bárbara la saliva!.
Te propongo un recorrido por las obras que seleccionamos para que me cuentes algo de ellas...
La primera serie que hice se dio a partir de la investigación de Las Mellis, donde después de bocetar con todas las técnicas que se me ocurrieron, concluí (justo estaba haciendo la carrera de grabado) en trasladar todos los bocetos e imágenes en un grabado (con todas las técnicas que me proporcionaba este medio: transferencia, punta seca, barniz blando, todas).
Esta serie es un trabajo de investigación de la figura humana, el hecho de que ellas son mellizas y son iguales y distintas a la vez es un desafío, junto con e tema de las proporciones que en los niños es distinta.
En muchos de los trabajos de esta serie, las mellizas han posado. En otras trabajé a partir de una foto. Siempre tratando de abrir los laburos, de que no sean tan duros.
La etapa de romper con la rigidez que te impone lo académico (yo hace veinte años que estudio) es un camino que estoy transitando. Creo que el conocimiento te puede estructurar mucho. Pero con Lili Gonzales Rios estoy aprendiendo a romper los límites y a manchar, y a dejar figuras sin terminar, y a que mis trabajos sean más sueltos; que fue el primer gran obstáculo que tuve para vencer.
�Y por eso el tema de la desnudez, por ejemplo?
Pienso que sí, puede ser.
Lo que pasa es que el tema de la desnudez también tiene que ver con que yo fui modelo muchos años. Y al estar del otro lado, estar cuatro horas seguidas posando y escuchar las indicaciones de los profesores y de los alumnos sobre el cuerpo humano, e incluso el trabajo que yo hacía a partir de otros modelos, tenía tanta información sobre la desnudez, con el cuerpo humano, que me fasciné con la anatomía, con huesos. Me parece un punto de vista lógico que siendo yo un ser humano investigue sobre lo que uno es.
�Qué otra serie produjiste a continuación?
Pareja. Ahí trabajé a partir de la búsqueda de texturas.
A veces tengo cosas definidas que quiero hacer, pero por lo general, yo pongo el soporte (una chapa, un papel o lo que sea) y el dibujo está ahí, yo lo voy marcando nomás.
Más vale que todo el conocimiento de perspectiva, de composición, de años de estudiar, lo aplico. Pero las figuras, los personajes, todo lo que aparece en los cuadros, está ahí. Yo me siento en un estado extraño: mi mano sólo marca.
En el 2001 hice Madame Lamort. No es la pintura lo que más he incursionado.
El tema que traté es el problema de la humanidad. El niño representa a la humanidad, el escarabajo la inmortalidad, para reflexionar acerca de cómo el ser humano nunca se plantea o piensa en su extinción. El niño trae el yin-yang como el acercamiento del oriente y el occidente. Están también otros dioses que representan a giba, la diosa que construye y destruye, Unbrama; para representar cómo la humanidad consulta a sus dioses cuál es el rumbo. A la izquierda la figura de la mujer, que estaría representado a la madre, y la humanidad representada con las cosas materiales: la roca, las cosas de la realidad cotidiana. Los dioses le dicen a este niño que representan a la humanidad que el único rumbo que le queda para salir de su posible extinción es esa ventana, una ventana astral: el mundo de la magia, las gotitas son el prana (el elemento primario, el cual porta la energía), el mundo esotérico, el romper con la realidad. Y aquí está la advertencia de Madame Lamort, quien agarra el cabello a la figura que representa al mundo de la magia diciendo que la muerte también está en ese plano. Entonces la advertencia consiste en que ni la magia ni el mundo esotérico quedan afuera del límite de la muerte.
Después está el perro porque es el animal que ha acompañado siempre a la humanidad, que se encuentra como distraído con esas matas y lianas. El gato también está, pero con una actitud indiferente, porque sólo acompaña alguna cosa que le interesa, pero le da la espalda a lo que es el destino de la humanidad.
Luego sigue la serie Bola de Cristal: Ciudad � Hombre � Naturaleza?
Tengo una serie grande de dibujos en birome. Tomé este material porque era un desafío para mi: no lo podés borrar, no corregir, línea que pusiste con la birome quedó. Y como siempre fui muy exigente en mi trabajo, me pareció una propuesta interesante.
Y resultaron una serie de dibujos que fueron los que definieron que estudiara la carrera de grabado, aconcejada por los profesores.
Ciudad: es la azotea de mi terraza. Es el paisaje de toda mi vida.
Hombre: creo que representa el momento en el que me encuentro a mí misma y a mi búsqueda personal. Por eso la descuartización de la figura.
Naturaleza: representa mi lugar.
Y la bola de cristal...justamente porque es el símbolo del destino, del futuro, es como una pantalla.
�Y el collage?
Ese es el primer trabajo para esta nueva serie. Todo lo que se pueda decir u opinar acerca de la salud pública. Y en este sentido, la técnica del collage hace posible decir muchas cosas. El cartón era basura y ahora es mi soporte. Mi análisis de sangre también está presente, aunque todo recortado y en la manga del supuesto enfermero. También hay unos grabados, dibujos, tinta...es una técnica mixta.
La primer dificultad que tuve cuando empecé a mirar cómo era el mundo artístico acá en el valle: yo trabajaba en tamaños muy chicos y me di cuenta de que lo chico no va, por lo menos en el ambiente en el que siempre me moví, desde el público hasta los colegas) la crítica a mi trabajo siempre fue que era chico. Y bueno, recién ahora estoy trabajando en grande. Y la verdad es que me fascinó.
Cuando yo empecé a trabajar con el collage estaba re copada. Pero después vi una muestra de gente que hacía collages con fotocopia color (lo que implica gastar mucho dinero) que le quedaba muy superior a lo que yo hacía, y ahí me corté con el collage porque no podía competir a nivel acabado.
Si, pero si ves un collage de Picasso, él trabaja con diarios...
Yo me refería más bien al collage con revistas.
Yo veía los otros collages todos bien acabados, con barnices, etc. Y los comparaba con los míos, que siempre estaban rayados, manchados o destartalados, entonces me digo "lo mío está todavía verde". Pero como ahora eso es lo fuerte en mi trabajo (todas mis obras están manchadas, chorreadas) entonces me digo "estoy es lo que soy", y por ejemplo, tengo una obra que tiene un agujero y me encanta.
No me hablaste sobre el tema de lo que pasaba ene esta zona con la lucha figurativos-academia vs no figurativos-libertad de expresión...
Yo soy muy figurativa. Y tuve muchas críticas que decían que yo era muy explícita. Todo el círculo de gente de artes visuales siempre me cuestionó eso. Y eso en un momento me hizo para y tratar de buscar otras formas. Y empecé a hacer otras cosas, que en realidad no eran lo que yo quería hacer.
Hasta que Lili Ríos me dijo que siguiera con mi búsqueda, que no me tenían que importar los comentarios. Y ahí me empecé a destrabar.
Cuando yo llegué de Buenos Aires me trabé. Porque cuando veía las exposiciones eran todos no figurativos, con materiales de mucha luminosidad, de mucha guita, soportes alucinantes y mucho informalismo. Yo veía eso y me decía a mí que lo mío no tenía nada que ver. Y entonces decidí seguir produciendo, per al margen, porque me di cuenta de que no estaba dentro de la movida.
Una vez que formé el grupo me di cuenta de que puedo seguir con mi búsqueda. Además, me siento fortalecida por mis compañeras fundamentalmente.
Otra cosa que me condicionó en su momento era que me decían que yo era surrealista. Como buena estudiante de arte en la época en que me sitúo, yo no tengo nada que ver con la matriz del surrealismo. Creo que uno es resultado de todas sus influencias. Yo tengo una influencia muy grande musical, y creo que s no escuchara la música que escucho no pintaría ni dibujaría como lo hago.
En Bellas Artes sentí siempre condicionamientos. Como que no sos nada original. Tardé muchos años en deshacerme de esa caparazón de no querer inventar nada, y empezar a producir por el placer que me produce.
Ahora no me importa lo que me digan.
La cuestión acá es estar en la onda. Si estás en la onda, no importa la porquería que hagas ni tu trayectoria, porque sos de la vanguardia. Yo no soy de la vanguardia...
Qué bueno!
Si, la verdad que sí. Yo siento al arte como un éxtasis total.
Y yo produzco al servicio de la sociedad, quiero decir, uso este lenguaje para decir las cosas que no se pueden decir de otro modo. Me costó varios años descubrir sobre qué me quiero expedir, porque hay tantas cosas para criticar... Y justamente este año con el tema de la salud descubrí un gran tema.
Y cómo es tu relación con la gente de Cinco Saltos?
He logrado que un círculo de gente aprecie mi labor. Siempre he tenido un gran apoyo de colegas docentes y amistades. Y muy buena repercusión.
Pero claro, es Cinco Saltos, es decir, no existe un "ámbito artístico".
Además, la gente del pueblo quiere ver algo bello. En general su argumento es que ya la vida es suficientemente dura como para ver imágenes transgresoras.
Lo que pasa acá es que no hay hábito.
Por otra parte, yo tengo una gran cantidad de laburos, pero casi todos en mal estado, porque no tengo plata no para enmarcar ni para soportes. Algunos se están desintegrando, y por eso recorté algunos laburos y armé otros. Nunca tuve n un marchante ni un curador que se propusiera mover mi trabajo.
La única tradición en Cinco Saltos en lo que tiene que ver con exposiciones, está muy relacionada con el paisaje.
Andrei, muchas gracias por todo.
Dirección y diseño: Juan Diego Incardona
